Baile de Musas

Evelyn De Morgan

(Información extraida de la Fundación De Morgan)

 

En su decimoséptimo cumpleaños, el 30 de agosto de 1872, Evelyn De Morgan escribió en su diario: "Al comienzo de cada año digo" voy a hacer algo "y al final no he hecho nada. El arte es eterno, pero la vida es corta". Esta afirmación ilustra los temas que iban a dominar su vida adulta y su carrera como artista profesional.

 

Poción de amor

 

 

De Morgan fue una artista prolífica y exitosa, exhibiendo una serie de sus obras desde 1877 hasta su muerte en 1919. Su estilo se distingue por su rico uso del color, la alegoría y el predominio de la forma femenina.  Sus pinturas muestran un interés específico en el encierro y las limitaciones del cuerpo físico en la tierra. A menudo, esto se resuelve a través de la muerte.

Su modelo favorita, Jane Hales, fue niñera de su hermana. Ella es el prototipo de la mayoría de las mujeres de Evelyn. Esto contrasta notablemente con las mujeres pintadas por artistas prerrafaelistas hombres, como las de Edward Burne-Jones, que parecen ser construcciones efímeras, de ensueño distante y en peligro de marchitamiento.

En cambio, Evelyn De Morgan presenta a las mujeres fuertes y atléticas, que son hermosas pero robustas. Jane Hales es característica modelo en una serie de pinturas del Centro, incluyendo Flora, Lux en Tenebris y La Dríade.

 

Medea

 

Sus primeras obras están en deuda con la influencia clásica que se enseñaba en la Slade School of Art de Sir Edward Poynter, en pinturas como Ariadna en Naxos y Venus y Cupido.

Después de su matrimonio con William De Morgan, ella y William experimentaron con el espiritismo. Temas como la vida después de la muerte, la transformación del alma, y ​​los mensajes morales acerca de la naturaleza transitoria de la vida dominan sus obras.
Muchas de las obras de De Morgan han sido descritas como "simbolistas". Lux en Tenebris por ejemplo, tiene un tema bíblico de Cristo como la Luz en la Oscuridad y De Morgan lo sustituye por una figura femenina sentada en un aura de luz rodeada por la oscuridad, vestida de oro pálido, llevando la rama de olivo de la paz. A los pies de la pintura, al acecho en las aguas embravecidas hay cocodrilos y bestias. De Morgan alegoriza así a la mujer como una metáfora de la esperanza y el valor, y también como una figura de la divinidad.

En la década de 1880 con el inicio de la Guerra Boer, y más tarde en la I Guerra Mundial en 1914, De Morgan utilizó su arte para expresar los temores compartidos por muchos sobre los efectos y los horrores de la guerra.
En pinturas como SOS De Morgan combina un mensaje anti-guerra con sus creencias espiritistas. Aquí, una figura solitaria se encuentra en un afloramiento rocoso en el mar, por todos lados rodeada por bestias mitológicas. Esto se puede leer como su consternación ante la guerra, y también en términos de creencia espiritista de De Morgan en la figura redentora de la mujer, como símbolo de optimismo.

El uso que De Morgan hace del color es muy distintivo. Junto con muchos de los otros artistas prerrafaelistas, Evelyn visitó Italia para estudiar a los viejos maestros del Renacimiento. La influencia de Botticelli puede verse en Flora.

 

Flora

 

El color se utiliza para representar los estados psicológicos y esotéricos. Los tonos iridiscentes del arco iris aparecen en muchas de sus obras. El arco iris fue considerado en la mitología como un puente para el alma después de la muerte, y esto está en consonancia con el espiritismo de De Morgan. Otros colores vivos como el amarillo de La poción de amor parecen sugerir simpatía con la figura de la bruja; o el rojo, que se utiliza como símbolo de martirio.

Las obras de De Morgan ofrecen una fascinante visión de las principales preocupaciones e ideas victorianas. Su interés permanente en el espiritismo está vinculado a sus creencias feministas y contra la guerra, y forma junto con éstos la inspiración para muchas de sus obras y nos permiten entender el mundo de maneras nuevas y reveladoras.