Musos: esta vez le toca a Manolo Elices

Todo surge esta vez a partir de unos sellos que un amigo me acaba de regalar, tan singulares, tan chulos, que me hacen ponerme a investigar de inmediato. Lo primero de todo es recurrir a la lupa para ver bien los detalles, lo que me permite descubrir el nombre del pintor o ilustrador que hay detrás: Manolo Elices.

Enseguida me entra la curiosidad: ¿Quién fue Manolo Elices, un artista capaz de semejante originalidad y con una mirada tan personal y distinta? Tengo que saberlo. Pero en vez de recurrir al espejo mágico... Allá voy, Internet, oráculo de nuestros días.

Primera sorpresa: hay muy poco, por no decir nada, sobre mi investigado. Todo lo que saco es gracias a dos exposiciones, una en Salamanca y otra en Béjar, que recogen parte de su obra y mencionan, someramente, su biografía.

         Así me entero de que Manolo Elices Sancho nació en Valdecarros en el año 1934 y pasó su niñez en Béjar.

Que se formó en Madrid y se convirtió en un prestigioso diseñador gráfico. Y que «comenzó contemplando óleos de Gómez Mir en el Casino Obrero de Béjar, y concluyó siendo considerado uno de los más creativos en su género en sus trabajos internacionales».

La primera exposición individual que se hizo de su obra tuvo lugar en la SALA DE EXPOSICIONES PALACIO SALINA, organismo dependiente de la Diputación de Salamanca; desde el 4 de diciembre de 2015 hasta el 6 de enero de 2016.

Se tituló, muy acertadamente en mi opinión, «La pintura mágica en tiempos de grisura».

El texto del catálogo de la exposición rezaba así: «La Sala de exposiciones “La Salina” en Salamanca, acoge la exposición “La pintura mágica en tiempos de grisura“, una muestra antológica del artista salmantino Manolo Elices que reúne numerosos óleos, acuarelas y dibujos.

         La Diputación de Salamanca quiere con esta muestra dedicar no solo un sincero reconocimiento al pintor salmantino, desgraciadamente desconocido para muchos, sino dar fe de una prolífica, consagrada y cuidadísima obra artística admirada en numerosos ámbitos».

En cuanto a la de Béjar, es esta: Exposición de Manolo Elices en el Museo Mateo Hernández de Béjar (como podéis comprobar, los cuadros aparecen en el catálogo ya enmarcados. No he logrado encontrar otras imágenes).

En esta exposición, le describen así: «Elices fue un pintor autodidacta, pero todo un maestro del color y del dibujo. Su paleta de colores es amplia y luminosa logrando esa capacidad que tienen los grandes de combinar los colores con naturalidad y limpieza».

         Algo con lo que no puedo sino estar de acuerdo. Además de los colores a mí me llaman poderosamente la atención esas formas fantásticas y esa atmósfera mágica e irreal que casi puede palparse, aspectos que de verdad te sumergen en otro mundo, onírico e imaginativo, poético también. Una reinterpretación del mundo real y de nuestras percepciones como solo pueden hacer los artistas de verdad.

KULTURE MARKET DAY

 

Érase una vez un grupo de personas (en concreto tres) que, por si aún no estaban metidas en suficientes actividades colectivas y saraos varios, decidieron crear una nueva asociación cultural para compartirla con amigos, no solo del barrio, sino de allende las fronteras.

         Así nació Kulture Market:

 

 

Una asociación cultural sin ánimo de lucro cuyo objetivo es promover la cultura (en todas sus formas) y a l@s artist@s, contribuyendo en todo lo posible para que estos puedan vivir de su trabajo.

 

Ya con un nutrido grupo de Agentes Agitadores, o dicho vulgarmente, de soci@s, Kulture Market empezó a caminar a buen paso, programando conciertos e ideando otras actividades diversas, con las miras siempre puestas  en la celebración de la primera edición de la que es desde su concepción su fiesta emblema, el Kulture Market Day, una feria de arte, artesanía, libros y música a celebrar al aire libre, en las inmediaciones del Huerto Comunitario de Manoteras.

 

Y aquí estamos, a tres días vista del evento, emocionada y algo inquieta, que son muchas cosas las que tengo que llevar y muchos los preparativos que culminar. Porque aún no os lo he dicho, pero el caso es que yo también voy a poner un puesto en este fantástico Mercado Cultural al aire libre. Bueno, más bien dos puestos en uno. Os doy un par de pistas (pistas de las mías, de esas que dejan poco sitio a la imaginación que ya sabéis que yo soy fatal para las sorpresas XD).

 

Sí, queridos y queridas míos, que me voy a plantar allí con todos mis libros, vestida de pitonisa, y voy a llevarme la Baraja Gitana de mis amores para decirle la buenaventura al personal que se atreva.

         Así que ya sabéis, si andáis por Madrid el sábado y queréis disfrutar de una jornada diferente, pasaos por nuestro mercado. Habrá 30 puestos distintos de arte y artesanía, bocadillos, bebidas, postres, pan artesano y actuaciones a lo largo del día. Y todo ello en un entorno verde y soleado (dan nada menos que 28 grados) donde poder disfrutar solo, con amigos o en familia.

         Allí nos vemos.

DESPUÉS DEL BAÑO - Paul Louis Bouchard

Hoy os traigo una pintura que me parece fascinante, de mi «etapa orientalista», cuando investigaba sobre Istanbul para un relato. Su autor, Paul Louis Bouchard, fue un pintor francés que nació en París en 1853 y murió en la misma ciudad en 1937.
         Fue estudiante de Boulanger y Lefebvre. Al comienzo de su carrera pintó composiciones históricas, muchas inspiradas por la historia medieval; luego amplió sus horizontes y abordó temas orientales y rusos. Y ahí es donde me lo topé yo muchos años después, mientras buscaba alguna pintura de temática similar para que mi madre me pintara un cuadro. Espero que lo disfrutéis como yo.

LA MADRE ENTRONIZADA - Análisis

Thomas Cooper Gotch - The mother enthroned

Y ahora vamos a ocuparnos de la pintura en cuestión, que como decía, fue el origen de las pesquisas. ¿Por qué me llamó la atención y cómo llegué hasta ella?
         Pues bien, fue en la época de mis «Diosas del Huerto», cuando investigaba sobre el arquetipo de la Diosa Madre, la Gran Madre Tierra y todas las deidades similares —de presencia constante en la Historia, aunque fuera adoptando diferentes ropajes— que han sido asociadas con la fertilidad.
         Buscando imágenes relacionadas fue como di con este cuadro, una gran pintura en todos los sentidos (tiene casi tres metros de ancho, lo que ha hecho que haya sido expuesta en contadas ocasiones) que se titula (un nombre frecuente en la  escultura y pintura religiosa) La madre entronizada. 

Como explican en el blog La Tradición de la Sabiduría, en un artículo dedicado al culto de María Lionza, los múltiples atributos que concentraba el arquetipo primitivo de la Gran Madre: reina y madre; protectora de la naturaleza y símbolo de la fecundidad, tanto de la tierra como de los nacimientos humanos; diosa de la vida y de la muerte, conocedora de los misterios, señora de la curación; se dividieron en distintas representaciones, creándose diosas que se caracterizaban por uno o dos de esos atributos en especial.

El aspecto de «gran madre» de la diosa ha sido representado millones de veces, desde la antigüedad más remota, manteniendo siempre algunas características fijas. Es muy frecuente la figura de la madre con el niño sentado en su regazo, a menudo en un trono. Con la llegada del cristianismo esas imágenes y esculturas se adoptaron e integraron en el culto, dando distinto nombre a lo que ya existía previamente y sin modificar gran cosa en cuanto a su esencia.

Devaki y su hijo Krisna

Isis con el niño Horus.

Diosa solar con niño

Virgen con el Niño

 

Virgen con el Niño

Virgen del Carmen con el Niño

El cuadro del que hoy nos ocupamos representa en esencia el mismo motivo, pero lo hace desde un enfoque muy diferente que me encantó en su momento. En primer lugar, tiene un carácter totalmente profano. Aquí se representa la dignidad de la maternidad pero desligada de su carácter religioso, sin que la madre tenga que ser, además, ninguna figura virginal, etérea y sin tacha. Y también refleja el sentido de la continuidad, mujeres de distintas edades, en diferentes fases de la vida y diversos estados (las niñas a los lados y en primer plano; las doncellas de blanco; las mujeres más adultas de rojo...); juntas todas alrededor de la figura central, rindiéndole tributo pero, sobre todo, acompañándola. Como un aquelarre "sublimado", una reunión de mujeres (ni ángeles, ni obispos ni nada parecido) festejando la femineidad y la maternidad.

Thomas Cooper Gotch, aficionado a convertir en protagonistas de sus cuadros a niñas y mujeres en especial, dota a esta pintura de una gran majestad, que es a la vez terrena y cercana. Logrando convertir un motivo «clásico» en algo personal que contiene su sello indiscutible.

La madre entronizada - THOMAS COOPER GOTCH

The mother enthroned - Thomas Cooper Gotch

Gracias a esta magnífica pintura, de la que luego quiero hablaros, me he topado con este pintor prerrafaelita que no conocía y que incluyo desde este momento en mi panteón de Mus@s (muy bien acompañado por su mujer y su hija, que ellas dan también para grandes inspiradoras a su manera). Porque ellos lo valen XD

Thomas Cooper Gotch

 Autorretrato. Guapete, ¿no?

Nació en Kettering, (Northamptonshireen, Inglaterra) el 10 de diciembre 1854, en el seno de una familia de clase media británica. Fue pintor e ilustrador y hermano del notable arquitecto John Alfred Gotch.
         Se formó artísticamente en Londres, en la Escuela de arte Hetherlies, entre 1876 y 1877. Más tarde estudió en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Amberes, entre 1877 y 1878. En 1879 asistió a la Gotch Slade School of Fine Art de Londres, donde tuvo como maestro a Alphonse Legros.
         En 1881 se casó con su compañera de estudios artísticos Caroline Burland Yates (Liverpool, 1854-Newlyn, 1945) en la iglesia de San Pedro de Newlyn. Juntos viajaron a París y en la capital francesa ambos asistieron a clases en la Académie Julian y a la Academia Lauren. Fue allí donde Thomas comenzó a pintar «au plein-air» (al aire libre). Y donde nació su hija Phyllis Maureen Gotch, en septiembre de 1882.
         Pese a que la salud de Caroline se resintió después del parto, la familia viajó mucho. En 1883 visitaron Australia, y más tarde Francia y Bélgica, Alemania, Austria, Australia, Sudáfrica, Italia y Dinamarca, con el fin de seguir perfeccionando su pintura.
         Vivieron en Londres entre 1884 y 1887, antes de instalarse en 1887 en la colonia de artistas de Newlyn (en Cornualles), donde construyeron una casa familiar a la que bautizaron como Wheal Betsy. En Newlyn la pareja empezó muy pronto a relacionarse con pintores y galeristas. Thomas fundó una academia donde impartía clases de arte a los jóvenes locales y juntos contribuyeron a la fundación de la Galería de Arte de Newlyn, el St Ives Art Club, formando parte de su comité directivo toda la vida. Entre sus amigos en Newlyn estaban, entre otros grandes artistas, Stanhope Forbes y Albert Chevallier Tayler.
         Thomas Cooper Gotch murió el 1 de mayo 1931 tras un ataque al corazón, mientras estaba en Londres preparando una exposición, y fue enterrado en la iglesia de Sancreed, en Cornualles. Caroline le sobrevivió catorce años
        
Fue un buen retratista y un gran paisajista, pero sobre todo, un magnífico colorista, cualidad por la que es valorado y recordado hasta el día de hoy. Comenzó utilizando un estilo naturalista, muy propio de su época y entorno, pero esto cambiaría radicalmente después de un viaje a París y Florencia entre 1891 y 1892. Tras conocer la labor de los románticos europeos simbolistas sus obras realistas del ámbito rural de Newlyn giraron al prerrafaelismo, estilo marcado por sus vibrantes y exuberantes colores, realizando sobre todo escenas de género alegóricas. En muchas ocasiones su hija Phyllis posó como modelo en sus más coloristas pinturas de niños. También Caroline se prestaría a ello alguna vez.
         La primera de estas «nuevas» pinturas: “Corona y cetro” de 1892, fue un rotundo éxito.

En el comité provisional que se formó previo a la apertura en 1895 de la Galería de Arte de Newlyn, se seleccionaron dos de sus obras para exhibir en la inauguración: «The Reading Hour» y «A Golden Dream».

Aquí tenemos otra de sus composiciones de ese período: Alleluia.

Alleluia es un ejemplo del nuevo estilo de Gotch, que tomaría como foco generalmente los temas de la maternidad y el desarrollo infantil. Otras muestras de este tipo de trabajo serían The Child Enthroned (1894), The Heir to All The Ages (1897), Un desfile de la infancia (1899) y Holy Motherhood (1902). Estas obras, que comparten un estilo hierático común y se basan también en el simbolismo del ritual religioso, vinculan al artista con el movimiento del Prerrafaelismo Inglés.
 

Holy Motherhood

Gotch expuso además sus obras en Cornwall, en la Royal Academy de Londres, de la que fue expositor habitual, en el Royal College of Art y en el Salón de París.
         No es muy reconocido entre los historiadores de arte internacional, aunque sí lo es, a un notable nivel, en la historia de la pintura británica. Sus obras están representadas en importantes colecciones de todo el mundo, sobre todo en Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica y el Reino Unido. Actualmente en el Reino Unido se siguen exhibiendo regularmente y con frecuencia sus cuadros, siendo objeto de estudios académicos.

En cuanto a Caroline Burland Gotch, ¿qué más os puedo decir de ella? Pues que a nivel artístico es una gran desconocida. Se sabe que expuso regularmente, en la Royal Academy entre 1887 y 1895, y con la Royal Society of British Artist durante toda la década de 1880. Se presentó en el Salón de París en 1897 y 1898, donde le otorgaron medallas de segundo y tercer lugar. Mostró trabajos en la Royal Hibernian Academy en 1879, en el New English Art Club en 1888, en la Society of Women Artist en 1879 y 1893 y también con el Royal Glasgow Institute of Fine Arts entre 1886 y 1894. También se presentó en galerías comerciales. Pero, a pesar de su registro en todas estas exposiciones, existen muy pocos ejemplos de su obra (yo no he sido capaz de encontrar ninguno. Al menos, no con su autoría establecida). Las fotografías (nuevamente, no he hallado nada) muestran composiciones sofisticadas, a menudo con mujeres y niños en casa.

Creo que nunca podremos conocer el alcance del trabajo artístico de Caroline Burland Gotch, y si tendría relevancia propia hoy en día. Ha pasado a la historia (la del arte y la otra) por ser la (activa) compañera de su marido. Siempre presente, pero siempre en la sombra.

Vayamos ahora con su hija, que ya decía que los voy a tener en cuenta a los tres, en este caso, por ser el ejemplo perfecto de lo que una educación y un ambiente determinado pueden hacer con el desarrollo de una persona.

"The Child Enthroned".
Phyllis Maureen Gotch (1882-1963) pintada por su padre en 1894.

Phyllis Gotch (Brolles, Francia, 1882) fue un verdadero personaje. Cantante, escritora e ilustradora. Tres maridos, el segundo marqués (del que se divorció) y el último treinta años menor y también descendiente de artistas de Newlyn. De ella decía una amiga, la artista Laura Knight, que era una persona a la que era imposible resistirse. Si ella hubiera sido general, escribió Knight en sus memorias, podría haber llevado a millones a la muerte y la gloria por una causa sin esperanza. Más tarde Phyllis utilizaría ese carisma para hacer campaña por la preservación del Newlyn histórico después de la Segunda Guerra Mundial.
          Phyllis Gotch creció en el círculo afectuoso y amoroso de su familia y de los otros amigos artistas que sus padres tenían en Newlyn. Le encantaba vestirse y organizar todo tipo de entretenimientos y fiestas. Su primer marido fue Ernest Doherty, con quien se casó en 1913. Ernest murió en Sudáfrica, en 1918, dejando a Phyllis sola con su hija Patsy, con la que regresaría a casa, para vivir un tiempo con sus padres. En 1922 se casó con Andre, marqués de Verdieres. Su tercer matrimonio tuvo lugar en 1936 con Jocelyn Bodilly (más tarde Sir), nieto de Francis Bodilly, el artista. Los esposos volvieron a vivir en Newlyn, donde la «Marquesa», como sería siempre conocida, se convirtió en una activista social y política, liderando protestas contra el redesarrollo de Newlyn después de la Segunda Guerra Mundial, y navegando con el Rosebud a los muelles de Westminster en apoyo de conservar el histórico puerto de Newlyn.


***Se puede ver un vídeo con muchas obras del artista en un blog llamado LEMBRANZAS 1.

(CONTINUARÁ...)

MUSOS - Yaroslav Gerzhedovich

Un muso increible, e igualmente inquietante, que descubrí hace unos días, cuando buscaba imágenes para ilustrar una entrada.
         Yaroslav Gerzhedovich es un pintor e ilustrador ruso que combina en sus obras el dibujo con la fantasía medieval.

Nació en San Petersburgo (entonces Leningrado), Rusia, en 1970 y se  formó en la Escuela de Arte «Nikolái Roerich» y posteriormente en el estudio de Nicholas Ganzhalo en San Petersburgo. Su trabajo se caracteriza por sus finísimos y complicados detalles, así como por el reflejo de luz tenue que envuelve a sus personajes y paisajes en un ambiente lleno de misticismo.

Durante sus veinte años de carrera, su estilo ha cambiado muchas veces, pero manteniendo en el fondo la misma esencia de sus comienzos: ambientes góticos y oscuros conformados por un dibujo detallista y esmerado, con reminiscencias de arte gótico y renacentista, colores velados y una meticulosa ejecución. Además de la mezcla de personajes y elementos basados en la mitología con otros de la naturaleza y la vida cotidiana.


 

Según él mismo nos dice,

«es difícil definir mi propio estilo, pero parece estar en algún lugar entre el surrealismo y la fantasía».

Esa mezcla de la que hablábamos, entre elementos fantásticos y detalles reales, consigue en el espectador una reacción curiosa. Te sumerges en sus pinturas como si estuvieras contemplando algo histórico, como si fuera posible lo imposible y aquello que se te muestra fuese real. Y esto es así porque uno quiere «creer», desea ser partícipe de ese paisaje, de ese mundo onírico y mágico que él ha creado. Y pagas el precio, tal como haces ante la buena literatura fantástica. Pese a que tu mente racional sabe distinguir, tú la acallas y la recluyes a un rincón para que no moleste. Porque por un momento al menos, te has propuesto vivir emocionantes aventuras dentro de un cuadro.

 

Yaroslav ha expuesto con gran éxito en Rusia, Reino Unido y Suiza, entre otros países, y sus obras están presentes en numerosas e importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo.
         Actualmente vive y trabaja en San Petersburgo.

MUSOS

Konstantin Korobov

 

Memento Mori 

Konstantin Korobov

Un pintor que he descubierto hoy mismo, como de costumbre, buscando algo que no tenía nada que ver con la pintura ni el surrealismo. Sorpresas que nos da la vida.

         Konstantin Korobov (Rusia, 1985) es un artista internacional que vive en la ciudad de Yekaterinburg, en Rusia. Prácticamente no se puede encontrar nada sobre él en español, solo su nombre asociado a algunos cuadros. Y en su perfil de facebook tampoco hay más datos. Solo dónde vive. Aunque allí pueden verse con muy buena calidad varias de sus pinturas, expuestas, según parece, en Amsterdam.

         En cualquier caso, su obra es tan chula que me lo voy a anotar desde ahora para seguirle el rastro a ver si hay suerte y doy con más información. De momento, disfrutad, como yo lo he hecho, con algunos de sus cuadros.

  

Konstantin Korobov - Ángeles

  Konstantin Korobov - Sleep

 Konstantin Korobov - Styx

Konstantin Korobov - Time

Konstantin Korobov - Arcanum

 

Baile de Musas

Evelyn De Morgan

(Información extraida de la Fundación De Morgan)

 

En su decimoséptimo cumpleaños, el 30 de agosto de 1872, Evelyn De Morgan escribió en su diario: "Al comienzo de cada año digo" voy a hacer algo "y al final no he hecho nada. El arte es eterno, pero la vida es corta". Esta afirmación ilustra los temas que iban a dominar su vida adulta y su carrera como artista profesional.

 

Poción de amor

 

 

De Morgan fue una artista prolífica y exitosa, exhibiendo una serie de sus obras desde 1877 hasta su muerte en 1919. Su estilo se distingue por su rico uso del color, la alegoría y el predominio de la forma femenina.  Sus pinturas muestran un interés específico en el encierro y las limitaciones del cuerpo físico en la tierra. A menudo, esto se resuelve a través de la muerte.

Su modelo favorita, Jane Hales, fue niñera de su hermana. Ella es el prototipo de la mayoría de las mujeres de Evelyn. Esto contrasta notablemente con las mujeres pintadas por artistas prerrafaelistas hombres, como las de Edward Burne-Jones, que parecen ser construcciones efímeras, de ensueño distante y en peligro de marchitamiento.

En cambio, Evelyn De Morgan presenta a las mujeres fuertes y atléticas, que son hermosas pero robustas. Jane Hales es característica modelo en una serie de pinturas del Centro, incluyendo Flora, Lux en Tenebris y La Dríade.

 

Medea

 

Sus primeras obras están en deuda con la influencia clásica que se enseñaba en la Slade School of Art de Sir Edward Poynter, en pinturas como Ariadna en Naxos y Venus y Cupido.

Después de su matrimonio con William De Morgan, ella y William experimentaron con el espiritismo. Temas como la vida después de la muerte, la transformación del alma, y ​​los mensajes morales acerca de la naturaleza transitoria de la vida dominan sus obras.
Muchas de las obras de De Morgan han sido descritas como "simbolistas". Lux en Tenebris por ejemplo, tiene un tema bíblico de Cristo como la Luz en la Oscuridad y De Morgan lo sustituye por una figura femenina sentada en un aura de luz rodeada por la oscuridad, vestida de oro pálido, llevando la rama de olivo de la paz. A los pies de la pintura, al acecho en las aguas embravecidas hay cocodrilos y bestias. De Morgan alegoriza así a la mujer como una metáfora de la esperanza y el valor, y también como una figura de la divinidad.

En la década de 1880 con el inicio de la Guerra Boer, y más tarde en la I Guerra Mundial en 1914, De Morgan utilizó su arte para expresar los temores compartidos por muchos sobre los efectos y los horrores de la guerra.
En pinturas como SOS De Morgan combina un mensaje anti-guerra con sus creencias espiritistas. Aquí, una figura solitaria se encuentra en un afloramiento rocoso en el mar, por todos lados rodeada por bestias mitológicas. Esto se puede leer como su consternación ante la guerra, y también en términos de creencia espiritista de De Morgan en la figura redentora de la mujer, como símbolo de optimismo.

El uso que De Morgan hace del color es muy distintivo. Junto con muchos de los otros artistas prerrafaelistas, Evelyn visitó Italia para estudiar a los viejos maestros del Renacimiento. La influencia de Botticelli puede verse en Flora.

 

Flora

 

El color se utiliza para representar los estados psicológicos y esotéricos. Los tonos iridiscentes del arco iris aparecen en muchas de sus obras. El arco iris fue considerado en la mitología como un puente para el alma después de la muerte, y esto está en consonancia con el espiritismo de De Morgan. Otros colores vivos como el amarillo de La poción de amor parecen sugerir simpatía con la figura de la bruja; o el rojo, que se utiliza como símbolo de martirio.

Las obras de De Morgan ofrecen una fascinante visión de las principales preocupaciones e ideas victorianas. Su interés permanente en el espiritismo está vinculado a sus creencias feministas y contra la guerra, y forma junto con éstos la inspiración para muchas de sus obras y nos permiten entender el mundo de maneras nuevas y reveladoras.